Javier Errando Mariscal (Valencia, febrero de 1950) es un reconocido diseñador multidisciplinar español. Desde 1970 vive y trabaja en Barcelona.

Curso estudios de diseño en la escuela Elisava de Barcelona pero pronto lo dejó para aprender directamente del entorno y para seguir sus propios impulsos creativos. Sus primeros pasos fueron en el mundo del cómic underground en publicaciones como El Rrollo enmascarado o Star, junto a Farry, Nazario y Pepichek con los que luego se traslada a vivir a un piso de la calle Comercio hasta que la persecución policial de la Piraña Divina del sevillano provocó la dispersión del grupo, marchándose con los hermanos Farriol a una casa rural en Ibiza, donde conviven con dos amigas valencianas, Montesol y Onliyú y participa en el álbum Nasti de plasti (1976).

En sus primeros tebeos propios como Aa Valenciaa (1975) se le atribuyó una gran influencia de Robert Crumb, extremo que el valenciano negaba, entroncando su estilo con el de las Fallas2 La teórica Francesca Lladó, en su clasificación de dibujantes y guionistas del denominado boom del cómic adulto en España, lo considera un caso aislado dentro de la Nueva escuela valenciana a la que también pertenecen Mique Beltrán, Micharmut, Sento y Daniel Torres.3 Pronto compagina su trabajo en el mundo de la historieta (en la que destaca su serie Los garriris) con la ilustración, la escultura, el diseño gráfico y el interiorismo.

En 2009, la exposición sobre toda la trayectoria de Mariscal y el Estudio, titulada Mariscal Drawing Life, se mostró en el Design Museum de Londres. En paralelo se publicó el libro monográfico con el mismo título, editado por Phaidon. Otro libro, esta vez dedicado a su trabajo artístico, salió por las mismas fechas: Mariscal Sketches, editado por Nova Era.

En 2010 presentó la exposición retrospectiva del trabajo de Javier Mariscal y Estudio Mariscal, Mariscal en la Pedrera, llena de color y sorpresas, que recibió 150.000 visitantes. Publicó la novela gráfica Chico & Rita, editada por Sins Entido y la película de animación Chico & Rita viajó por festivales internacionales de cine de todo el mundo. La película se ha estrenado en españa el 25 de febrero de 2011. En el Salone del Mobile di Milano 2011 ha presentado piezas de mobiliario para Artemide, Nemo Cassina, Leuco, Uno Design, Mobles 114 y Vondom.

OTRO DE LOS GRANDES

HERBERT HOFMANN

The Clash fue una banda británica de punk que estuvo activa entre 1976 y 1986. El grupo fue uno de los más importantes e icónicos de la primera ola del punk originada a fines de los años '70 y, a diferencia de la mayoría de las bandas punk que se caracterizaban por su simplicidad musical,incorporó reggae, rock, rockabilly, ska, jazz y dub entre otros variados estilos en su repertorio. The Clash llegó a ser una banda muy influyente en la música mundial.

Sumado a esto, The Clash exhibió una intencionalidad política en sus letras que con el tiempo se convertiría en su característica distintiva fundamental. El idealismo expresado en las composiciones de Joe Strummer y Mick Jones contrastó con el nihilismo de los Sex Pistols y la sencillez de Ramones, las otras bandas emblemas del punk en la época.1 2 Aunque su éxito en el Reino Unido fue inmediato, la banda no se ganó al público estadounidense hasta los años 80.
Como muchas de las primeras bandas de punk, The Clash protestaba contra la monarquía y la aristocracia. Sin embargo, a diferencias de la mayor parte de éstas, el grupo rechazaba el nihilismo y no profesaba la anarquía, por lo cual fueron duramente criticados por bandas muy influyentes de la escena como Crass y Angelic Upstarts. Por otro lado, encontraron el apoyo de un gran número de movimientos de liberación contemporáneos. Sus ideas políticas fueron expresadas explícitamente desde las letras de sus primeras composiciones como "White Riot", que animaba a los jóvenes de raza blanca a ser tan políticamente activos como sus pares de raza negra, "Career Opportunities", que expresaba el descontento por la falta de alternativas laborales en la Inglaterra recesiva de la época, y "London's Burning", que trataba sobre la complacencia política.

máscaras japonesas

MÁSCARAS JAPONESAS



La palabra para las máscaras empleadas en Noh es nohmen. Men significa cara o superficie, y el caractér puede también ser pronunciado como omote, que quiere decir exterior. Omote es la palabra empleada por actores profesionales de Noh. La palabra común para máscara en japonés es kamen o rostro temporal, y se aplica por eemplo tanto a las máscaras del teatro griego antiguo como a las máscaras del Bugaku y Gigaku (Fig. 64), tipos de danza cortesana traídos a Japón desde el continente chino en el siglo VII. Aunque nohmen y kamen difieren del maquillaje en que sirven de herramientas para transformación, y aunque en la traducción nos referimos a ambas como máscaras, la distinción lingüística en japonés refleja una diferencia conceptual importante.


En japonés el verbo kaburu es usado con kamen y significa colocarse una máscara. Kaburu significa cubrirse la cabeza (por ejemplo con un sombrero, pañoleta e incluso con agua). En Noh sin embargo, uno se coloca (tsukeru o kakeru) el omote (rostro, superficie). Las máscaras sirven para crear una imagen intensificada de una papel en la forma en que va mas allá de la descripción del personaje a través de trajes y movimientos. Así las máscaras son pensadas para ser muy simbólicas y son generalmente hechas un poco más grandes que en la vida real, con rasgos y expresiones exageradas. Las máscaras empleadas en el teatro griego antiguo fueron especialmente grandes con el fin de actuar como cajas de resonancia haciendo que las palabras del actor resonaran a través de todo el gran espacio escénico. En ritos religiosos antiguos se creía que la máscara era por si misma el dios, así que cubrirse uno mismo con la máscara era transformarse en la figura del dios. Cuando esta propiedad de la máscara de efectuar una transformación de apariencia fue incorporada en el teatro, se creó lo que nosotros llamamos el teatro de máscaras. Esta concepción de la máscara fue también empleada en Noh al comienzo pero como el Noh fue rápidamente desarrollado como un arte dramático, la transformación de conciencia llegó a ser considerada más importante que la transformación de apariencia. Así pues podemos llamar al Noh de hoy un teatro que usa máscaras, lo que es muy diferente al teatro de máscaras.


Este concepto del papel de la máscara explica por qué nohmen son generalmente hechas de un tamaño más pequeño. Las máscaras femeninas especialmente (Fig. 65), las cuales deben incorporar el más alto grado del misterio y la evocación de yûgen, son hechas considerablemente más pequeñas que el rostro humano real. Esto refleja no solo la aversión en Noh por la falsedad de las grandes máscaras con rasgos exagerados, sino también la diferencia en concepción del propósito de las máscaras como fue descrito anteriormente. La palabra omote usada en vez de nohmen en el mundo del Noh, significa exterior, superficie o cara, y el omote es tratado mucho más como la cara de una estatua, la que es por lo general llamada hyômen. El caractér para hyô puede también ser pronunciado omote. De esta forma el uso de las palabras omote (cara) y tsukeru (colocar-implantar) en japonés muestran que la máscara Noh es pensada más bien como parte del cuerpo del actor lo que significa que cuando este rostro Noh es combinado con los trajes, ellos actúan juntos para simbolizar el personaje que se va a representar.

De la cultura de los samuráis al Japón moderno

En esta época llegan al Japón los primeros extranjeros europeos, españoles y portugueses, y el país se abre a nuevas ideas que se extienden de extremo a extremo descentralizándolo. Se dibuja una nueva estructura social en la que la burguesía comercial en ascenso se impone económicamente a los samurais. Los castillos pasan de ser una máquina de defensa a una máquina de propaganda; pero en resumen incómodos para la vida de gentes opulentas. Los artistas se encargan de convertirlos en suntuosas y refinadas viviendas, en particular los miembros de la escuela de Kano, descendientes de Kano Masanobu, que como se ha visto había trabajado para los Ashikaga y cuyo más ilustre representante es Kano Eitoku, el de los fondos dorados.

Es la época del objeto, del Maki-e (trabajo en laca), de la artesanía o mingei, del oro y la plata que brillan lascivamente por doquier. En contrapartida surge Sen-no-Rikyu (hacia 1520-1591), con una nueva ceremonia del té que rechaza los automáticos gestos rituales en favor de una “sencillez natural”. Es el artífice de los nuevos utensilios para su celebración, cuya extraordinaria simplicidad, pureza de líneas y tosquedad, tanto habrán de influir en el moderno diseño industrial de Occidente. En arquitectura, frente a la recargada exuberancia de los castillos, la nueva tendencia impulsa la construcción de delicados palacios situados entre idílicos y estudiados paisajes, construcciones de estructura en extremo regular y sencilla. El máximo exponente es sin duda el palacio de Katsura, en las inmediaciones de Kyoto, tan admirado por los arquitectos del siglo XX.

Las características del período de Edo o Tokugawa (1615-1867) no se diferencian del anterior. Katsura, por ejemplo, obra de dos generaciones que denotan una increíble unidad estilística, no fue terminado hasta 1645. Prosigue especialmente el desarrollo del mingei, que incluye también la cerámica, una de las artes más cotizadas de Japón. El Japón de los Tokugawa se halla dividido en doscientos clanes, cada uno de ellos con un jefe y cada jefe con su castillo. La preponderancia cada vez mayor de los comerciantes e industriales exige empero una nueva clase de arte más a su alcance. Así surge en el siglo XVII, junto a las escuelas de Kano y Tosa, el Ukiyo-e o arte de la estampa, con la personalidad de Harunobu. Y también el kabuki, teatro más realista y divertido que el no, que habrá de convertirse con el tiempo en el teatro nacional japonés.

En el período Meiji (1868-1912) los contactos con Occidente marcan la evolución del arte japonés hacia el arte europeo. En 1884, Fenollosa y Okakura Kakuzo organizan la primera muestra de arte tradicional japonés; luego siguen las exposiciones internacionales: la de Chicago (1893), que tanta influencia habrá de tener en la obra de Frank Lloyd Wright, y la de París (1900), decisiva para la pintura postimpresionista.

 

reskate collective

Reskate es un colectivo que se dedica a coger las tablas de skate viejas y en desuso y reciclarlas de la mejor manera, con la colaboración de unos buenos ilustradores.http://www.reskateboarding.com
Os dejo algunas fotos de sus trabajos.

historia del collage

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado. El término se aplica sobre todo a la pintura, pero por extensión se puede referir a cualquier otra manifestación artística, como lamúsica, el cine, la literatura o el videoclip. Viene del francés coller, que significa pegar.
En pintura, un «collage» se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Aunque se considera que fue Picasso quien inventó el collage en 1912 con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla, está en discusión si fue primero Picasso o Georges Braque. El primero había pegado fotografías a sus dibujos en fechas tan tempranas como 1899, y en la primavera de 1912 incorporó hule en forma de rejilla a su citada pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla. Pero el segundo realizó a finales del verano de aquel año los primeros papiers collés al incorporar a sus obras recortes de papel pintado comercial que imitaba madera, uno de cuyos ejemplos es Tête de femme (1912). En aquel momento, los dos artistas se habían instalado en Sorgues, si bien Picasso se encontraba de viaje en París cuando Braque compró el papel y realizó estas obras. A su vuelta Picaso se entusiasmó con el descubrimiento de su amigo y los dos se lanzaron a introducir en sus pinturas recortes de diarios o revistas, etiquetas de licores o cigarrillos, y también papeles coloreados. Juan Gris rápidamente entendió la potencia del hallazgo y lo empleó también. El Futurismo lo adaptó también sin problemas -hay ejemplos de Carlo Carrày Giacomo Balla- y los dadaístas multiplicaron sus posibilidades expresivas y conceptuales de la mano de Hans Arp,Marcel Duchamp, Hanna Hoch, Kurt Schwitters o George Grosz. De hecho, los dadaístas berlineses, que reivindicaban para sí mismos la denominación de «montadores» frente a la épica del «artista», se consideran los inventores delfotomontaje, una técnica realizada a partir de la fotografía en combinación o no con la tipografía impresa, en la que los vanguardistas rusos, como El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko o Solomon Telingater, fueron auténticos maestros.
Del collage se depuró un principio previo o técnica cuyo primer creador fue al parecer el dadaísta Marcel Duchamp: el «objeto encontrado», según la cual cualquier cosa que elige un artista es sacralizada como «arte», desde una piedra que llama su atención en un camino a una imagen que le gusta en una revista. De ahí a la amalgama de «objetos encontrados» o collage hay sólo un paso.
El collage ha sido usado, pues,en las vanguardias históricas de principios del siglo XX: Futurismo, Cubismo, Dadaísmo,Surrealismo, Constructivismo... Artistas plásticos que frecuentemente han usado esta técnica incluyen a Max Ernst,Juan Gris, Georges Braque, Marcel Duchamp, Man Ray, Raoul Hausmann, Antoni Tàpies, Jasper Johns y el artista mexicano Alberto Gironella. Asimismo es una técnica habitualmente empleada por los creadores del Arte correo en la difusión de sus trabajos. Existen nuevos grupos literarios que están implementando el collage colectivo como técnica de composición de textos.
Aquí os dejo algunos de los collages de Picasso.

Style Wars es un documental que trata sobre los orígenes de la cultura hip hop, realizado por Tony Silver y Henry Chalfant, rodado en Nueva York en 1983. La película hace especial incapié en el graffiti, ya que el breakdance y el rap están presentes en menor medida. La película fue estrenada originalmente en el canal de televisión PBS en 1983, y posteriormente fue proyectado, con mucho éxito, en varios festivales de cine, entre los que se incluye el Festival de Cine de Vancouver.


Style Wars muestra en gran parte a los jóvenes artistas que luchan por expresarse a través de su arte, y sus puntos de vista sobre el tema de graffiti, así como las visitas del entonces alcalde de Nueva York Ed Koch, un escritor del graffiti manco Case/Kase 2, el escritor de graffiti Skeme y la vida con su madre, el graffiti "villano" Cap (vándalo), el ya fallecido escritor de graffiti Dondi, Seen y Shy 147, el graffiti documentalista (y director de la película) Henry Chalfant, el breakdance Crazy Legs de Rock Steady Crew, policías, críticos de arte, los trabajadores de mantenimiento del metro, así como varias "personas de la calle".
Style Wars ofrece una visión en la subcultura de graffiti (así como de la vida urbana de la ciudad de Nueva York en la década de 1980), recoge las diferentes etapas del Hip Hop de la ciudad de Nueva York, y demuestra que sus miembros eran un grupo de jóvenes artistas creativos de diversa raza y etnia.